NADIA Y LA REALIDAD
(©Tamarro Forever)

- PARTE 3-


Parte 3:

La sala del trono de Neo

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"Saturno devorando a un hijo”, un cuadro de Goya

¿No te has fijado nunca en el cuadro que está justo encima de la cabeza de Neo en la Sala del Trono, en el capítulo 22? Es uno de los cuadros más famosos (y horripilantes) de Goya, “Saturno devorando a un hijo”.

Algunos detalles...

  • Los chicos de Gainax son realmente increíbles. Todas estas referencias culturales certifican que Nadia es una de las obras maestras de la historia del anime.

  • ¿Por qué eligieron el cuadro? Parece que su significado oculto tiene que ver con el tirano destruyendo a cualquier disidente político, como la Neo Atlántida quería hacer.

  • Por eso es muy importante fijarse en la pintura original, en la que Saturno, o Cronos, tiene DOS ojos. En el cuadro de la serie, este personaje tiene un solo ojo, parecido a los de Gargoyle.

Información básica del autor y la obra:

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)

Pintura mural pasada a lienzo.
Museo del Prado (Madrid)

Esta inquietante pintura es una de las catorce que se conocen con el nombre de "pinturas negras", con las que Goya decoró el comedor y el salón de una casa -la llamada "Quinta del Sordo"- que compró en 1.819 en las orillas del madrileño río Manzanares. Setenta años después de haber sido pintadas, un propietario de la casa dispuso, dado el mal estado de las pinturas, que éstas se arrancaran y se depositaran sobre lienzo. Algunos años más tarde las regaló al Estado Español. La de "Saturno devorando a un hijo" era una de las seis que decoraban el comedor. Se trata de un tema mitológico -sobre el dios Saturno o Crono-, representación alegórica del tiempo. Aquel dios devoraba, como el tiempo lo hace con todo lo que crea, los hijos que le iban naciendo de su esposa Cibeles: temía que uno de ellos le destronara.

(Texto original aquí. El copyright pertenece a su autor, no a mi.)

 

Más cuadros de la Sala del Trono

¡Esto es tan interesante! ¡La sala entera está llena de cuadros famosos! Echa un vistazo abajo... además de “Saturno devorando a un hijo”, situado sobre la cabeza de Neo, se pueden identificar fácilmente otros muchos tesoros de la Historia del Arte.

 

“LOS FUSILAMIENTOS DEL TRES DE MAYO” by F. Goya

¡Otro cuadro de Goya! No es fácil de ver (echa un vistazo arriba y comprenderás por qué JJ) a pesar de que aparece más de una vez. Algunos datos sobre el cuadro:

Esta emblemática pintura fue pintada por Goya en 1814, por encargo del Consejo de Regencia que gobernaba España después de la Guerra de la Independencia. Las pinturas habían de "perpetuar las más notables y heroicas acciones de nuestra gloriosa insurrección contra el Tirano de Europa", y se colocaron en el arco de triunfo que se erigió con motivo del regreso a España, a Madrid, del rey Fernando VII. El hecho que refleja Goya en esta obra es la violenta represión francesa contra los patriotas alzados frente a la invasión de Napoleón el día 2 de Mayo de 1808.

En contraste con y como complemento de el “2 de Mayo”, este cuadro ofrece una recreación nocturna de otro hecho real, la cruel masacre nocturna de ciudadanos madrileños el 3 de mayo de 1808. El caos de su cuadro hermano es sustituida por el rigor compositivo que consigue un efecto espeluznante. El personaje muerto del centro del primero de los dos cuadros es reemplazado por la figura arrodillada de la camisa blanca. Los soldados franceses, vulnerables y desorganizados del 2 de mayo se reagrupan al día siguiente en un batallón de fusilamiento compuesto por asesinos sin rostro. Lo que era una composición diagonal es ahora totalmente horizontal; los débiles colores son ahora llamativos; el fino pincel del primer día da paso a una pintura rica, mucho más agresiva.

El copyright del texto corresponde a su autor original. Si estás interesado en saber más, visita la página del Museo del Prado, o también esta, que analiza más en profundidad la obra. Muchas gracias a Erik por su aportación.

 

"LA NASCITA DI VENERE"(EL NACIMIENTO DE VENUS), de Sandro Botticelli

Una obra maestra de la Historia del Arte, un tesoro pintado en Italia hace unos cinco siglos, muy conocido en todo el mundo. ¿Qué más puedo decir? Los gustos pictóricos de Neo eran inapelables J.

Información básica de la obra:

1485 – Témpera sobre lienzo.
Florencia (Italia), Galería de los Ufizzi

Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres. El tema del Nacimiento de Venus esta tomado directamente de la obra de las Metamorfosis de Ovidio.

Simbólicamente expresaría el nacimiento de la " Venus Humanitas " , es decir de la unidad, la armonía, encuadrada dentro de tres elementos; tierra, mar i aire.

El momento que representa Botticelli es la llegada de la diosa Venus tras su nacimiento, a la vista de Citera empujada por el viento que producen los dioses alados sobre una concha de la que emerge entre la lluvia de flores. Sobre la arena una de las Horas o Ninfas la espera con un manto púrpura. Venus, la diosa del amor, aparece en el centro de la composición con sus largos cabellos rubios que cubren sus partes íntimas mientras con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento junto a Aura, la diosa de la brisa enlazadas ambas parejas en un estrecho abrazo.

Información obtenida de aquí. El copyright del texto corresponde a su autor.

 

EL GRITO de E. Munch

Tal como podrás comprobar más abajo, esta obra constituye un anacronismo. ¡Está fechada en 1893!

Información básica de la obra:

1893 témpera y pastel sobre tabla

El trabajo más famoso de Edward Munch se hizo muy famoso, particularmente tras la Segunda Guerra Mundial. ¿Quizás el miedo existencial expresado aquí por el artista ha tomado cuerpo y se ha extendido en las últimas décadas?

En primer plano, sobre un puente con barandilla, podemos ver una figura que se lleva las manos a la cabeza. Los ojos del personaje están fijos y su boca muy abierta. Más lejos, detrás de la figura principal podemos ver a dos hombres con sombrero. El fondo lo constituye un paisaje de un río y colinas.

Texto obtenido y traducido de aquí. El copyright del texto le corresponde a su autor original.

Texto obtenido y traducido de aquí. El copyright del texto le corresponde a su autor original.

 

“PIETA” (Piedad) de Giovanni Bellini

Maravilloso, simplemente maravilloso, Bellini era un genio...

Información básica de la obra:

Giovanni Bellini fue, en muchos aspectos, el principal protagonista de un cambio en la pintura veneciana. Bellini lideró los inicios del “tonalismo”, que otorgaba la importancia no tanto al diseño y el grafismo como al brillo de las tonalidades de luz y color. En un momento en que Tiziano comenzaba su carrera, el maestro Bellini rompía los esquemas tradicionales introduciendo temáticas mitológicas y alegóricas en detrimento de los temas religiosos que dominaron el arte del Cuatrocento (siglo XV).

Copyright del texto del autor original. Tomado de aquí. Muchas gracias a Matteo.

 

"NUDO SDRAIATO A BRACCIA APERTE"
(Desnudo echado con los brazos abiertos)
de Amedeo Modigliani

Este es el mayor anacronismo.

Información básica de la obra:

1917

En 1916 Modigliani comenzó a trabajar en una serie de desnudos. En total, pintó más de treinta desnudos, lo que constituye una décima parte del total de su obra en óleo. Un dato curioso, nunca utilizó como modelo para estos cuadros a ninguna de las mujeres con las que tuvo relación, como Beatrice Hastings o Jeanne Hebuterne. En vez de pedirles posar a ellas, Modigliani prefirió utilizar a sirvientas o camareras, aunque también pintó con modelos profesionales cuando los tratantes de arte le pagaban lo suficiente como para permitírselo, lo que no sucedía muy a menudo.

Copyright del texto del autor original. Muchas gracias a Matteo.

 

"THE ARNOLFINI MARRIAGE"
(El matrimonio Arnolfini)
de Jan Van Eyck

Maravilloso... ¿verdad?

Información básica de la obra:

1434, óleo sobre tabla
National Gallery, Londres

El retrato de los esposos Arnolfini es la única de las composiciones profanas de Jan Van Eyck que han llegado hasta nosotros. Por el contenido simbólico de sus elementos es una verdadera joya iconográfica. Representa la ceremonia matrimonial de Giovanni Arnolfini, un comerciante italiano establecido en Brujas desde 1420 y su esposa Giovanna Cenami, según el rito del derecho canónigo, que fue aplicado hasta el Concilio de Trento, en el que son los propios contrayentes los ministros del sacramento y no el pastor sacerdotal. Una de las teorías afirma que además de pintar el cuadro, Van Eyck sirvió de testigo para la unión, y por eso lo firma ostensiblemente e incluso se le ve reflejado en el espejo del fondo.

El copyright de este texto pertenece a su autor, no a mí. Más información aquí o aquí si estás interesado en este cuadro.

 

“LA CREACIÓN DE ADÁN” de Miguel Ángel

Datos básicos de la obra:

1510, fresco
Capilla Sixtina, Roma

Fantástica escena de una de las celdas de la Capilla Sixtina, Dios crea a Adán. El contacto del dedo de Dios despierta al recién creado Adán y así comienza la andadura de la humanidad. La magistral representación de este acto de “dar la vida” es una de las más profundas e inspiradas imágenes artísticas jamás pintadas. La decoración de la Capilla le fue encargada a Miguel Ángel por el Papa Julio II en 1505, lo que le mantuvo ocupado de 1508 a 1512.

Una curiosidad: un estudiante de medicina se percató de que la parte derecha del cuadro, la ocupada por Dios y los ángeles, ¡se parece a un cerebro humano! Si quieres saber más, pincha aquí o aquí

(¡Muchas gracias a Nadège!)

Ah, y, por favor, si reconoces algún otro cuadro famoso en la Salón del Trono de Neo, no dudes en contármelo por e-mail. El autor o el nombre de la obra serán suficientes para empezar a buscar. ¡Muchas gracias!



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